NUNO VIEGAS, LA ENTREVISTA MAS INTERESANTE QUE VAS A LEER SOBRE GRAFFITI Y ARTE URBANO

Nuno Viegas, (Quarteira, Portugal), es un artista hiperrealista que nos ha llamado la atención con murales donde mezcla mundos aparentemente opuestos. La sencillez, honestidad y fluidez de su trazo, contrasta con los elementos de la cultura graffiti que salpican o incluso protagonizan su obra. El resultado crea un puente entre la, a veces, realidad sucia del graffiti y la forma de hacer pulcra de este artista portugués.

Entrevistamos a Nuno Viegas para cruzar con él la fina línea que separa en sus murales graffiti y el street art.

«Para mí, el único aspecto importante de las guerras de graffiti es que impulsan a la gente a pintar más y más, lugares más grandes, puntos más calientes, piezas más bonitas, a desarrollar su estilo, a mejorar sus habilidades.»

Tus composiciones podrían definirse como hiperrealismo minimalista, ¿cómo lo definirías? 
Sinceramente, no me importa ni pienso demasiado en qué género encajaría, pero cuando pienso en ello me inspiro sin duda en el hiper y el fotorrealismo, el minimalismo y el surrealismo. Nunca fui muy bueno en historia del arte en la escuela, así que me falta un poco de conocimiento histórico y terminológico sobre el pasado para saber en qué caja me debo meter. Tardé 3 años en aprobar «Historia I» en la universidad… Creo que esto es algo que los historiadores y los críticos de arte tendrán que hacer por mi algún día si mi nombre llega a ser lo suficientemente relevante como para que se hable de mí. En cualquier caso, supongo que me sitúo entre el minimalismo, el hiperrealismo y el surrealismo. Creo que formo parte del ahora, de un enorme movimiento cuyo nombre aún se está esculpiendo, algunos se refieren a él como arte callejero, otros como contemporáneo urbano (un término que me gusta) y otros equivocadamente como graffiti; una cosa es segura: Esto No es Graffiti.

Hemos leído tu fragmento en el libro Untold Stories en el que hablas de algunas guerras de graffiti en las que estuviste involucrado en el pasado. ¿Puedes explicarnos la importancia de estos conflictos en la cultura? En el libro pareces explicar los aspectos positivos y negativos de estos fenómenos, ¿puedes resumírnoslos?
Para mí, el único aspecto importante de las guerras de graffiti es que impulsan a la gente a pintar más y más, lugares más grandes, puntos más calientes, piezas más bonitas, a desarrollar su estilo, a mejorar sus habilidades. Esto es, en pocas palabras, lo que considero positivo de estos conflictos. Con el paso de los años, estas guerras de egos (la mayoría de las veces) hicieron que la cultura creciera mucho en general y en todo el mundo. Estaría bien que nos animáramos los unos a los otros con un poco más de amor en la ecuación… pero supongo que el graffiti conserva muy bien nuestro lado animal.

«Creo que formo parte del ahora, de un enorme movimiento cuyo nombre aún se está esculpiendo, algunos se refieren a él como arte callejero, otros como contemporáneo urbano (un término que me gusta) y otros equivocadamente como graffiti; una cosa es segura: Esto No es Graffiti.»

También hablas de la dualidad street art / graffiti, ¿cuál es tu postura?
En mi opinión, el graffiti ya tiene una larga historia y una base sólida para valerse por sí mismo. Para simplificarlo, creo que la evolución del graffiti va más hacia la escritura en trenes que hacia la producción de muros. Creo que la escritura en tren sigue rigiéndose por las normas no escritas y los valores del graffiti tradicional. Mientras que el arte callejero es otro movimiento, profundamente influenciado por la escena del graffiti en sus inicios, que ahora sigue una ruta totalmente diferente y que está arrasando en el mundo del arte. Considero que este debate es importante sólo para que la gente que escribe sobre historia del arte lo haga bien y no tergiverse la verdad sobre el graffiti intentando hacerlo más aceptable, el graffiti no necesita eso.
Para simplificarlo aún más, a la mayoría de nuestras madres les encantará una obra de street art, y a la mayoría de nuestras madres odiará un graffiti.

¿No crees que hay una diferencia entre el street art que habla del graffiti y el que no tiene nada que ver con él? 
La verdad es que no. En este caso el graffiti es sólo un tema de interpretación. Podría ser cualquier otro tema y seguir siendo street art. En el arte urbano hay una mezcla de artistas con raíces en el graffiti y artistas sin antecedentes en el graffiti, y ambos son válidos. Para mí sólo es importante que la gente se dé cuenta de que el graffiti y el street art son elementos diferentes.

En tus obras haces el ejercicio de incorporar la estética vandálica a una composición agradable. ¿Qué intentas transmitir con ello? 
Mi principal objetivo es crear composiciones estéticamente agradables, algo que al mirarlo me parezca correcto como imagen global. Es un poco como el “getting up” escribiendo tu nombre. La mayoría de los escritores no están preocupados por transmitir un mensaje, la principal preocupación es escribir tu firma con estilo y ser reconocible y destacar entre los tuyos con tu propio estilo. Personalmente, me pasa lo mismo que a los artistas plásticos.
Pintar sobre graffiti, contar sus historias y evocar sus elementos es algo que me surge de forma natural debido a mis raíces en la cultura del graffiti. Pinto sobre un movimiento que me es cercano, que tuvo un gran impacto en mi persona. Nunca he tenido un plan maestro detrás de todo esto. Por suerte, todo surgió en el día y el momento adecuados. Soy consciente de que si hubiera desencadenado este concepto 5 años antes, mi carrera probablemente nunca habría florecido como lo hizo. Básicamente me encontré entrando en un nicho de mercado en auge con una enorme demanda que ni siquiera sabía que existía en el mercado del arte contemporáneo.

La pintura hiperrealista y los throw ups son elementos muy opuestos: ¿tu lenguaje estético es espontáneo o va más allá? ¿Qué intentas expresar? 
De nuevo, no hay un gran pensamiento filosófico detrás de todo esto. Se trata básicamente de montar un puzzle que me resulte estéticamente agradable con piezas que traigo de mi propia experiencia personal. El cuadro «hiperrealista» surgió durante mis prácticas en Rotterdam con el artista local Tymon de Laat. Él me empujó a hacer este ejercicio de pintura y con él me di cuenta de que tenía un conjunto oculto de habilidades en las que podía sumergirme y desarrollar. Tras descubrirlo con su ayuda, saqué a relucir de forma natural un tema que forma parte de mi realidad y del que siento que puedo hablar con sinceridad.
Con toda la atención que recibe mi trabajo, el único mensaje que intento transmitir es que, pinte lo que pinte, como Nuno Viegas, «esto no es graffiti», y ese mensaje sólo llega cuando tengo la oportunidad de hablar de mi trabajo. Este mensaje no es visible en mi obra, sino sólo cuando tengo la oportunidad de hablar de ella. Y aquí es cuando evoco a una de mis mayores influencias surrealistas, René Magritte, cuando pinta una pipa y escribe al pie «Ceci n’est pas une pipe», es decir, esto no es una pipa, es una representación de ella.
Para mí es importante separar la línea que separa el graffiti de lo que sea este nuevo movimiento, llámese arte callejero, arte urbano o contemporáneo urbano. Creo que el graffiti ha llegado lo suficientemente lejos como para tener su propia caja, su propia etiqueta, y lo que sea que estemos haciendo ahora, aunque esté delimitado por el graffiti, debería tomar un camino diferente y un nombre diferente, sobre todo por motivos históricos.

Más concretamente… háblanos del símbolo de la camiseta usada como balaklaba. 
Yo diría que la máscara de la camiseta es mi personaje principal. Representa a todos los escritores de graffiti. Su aspecto fantasmal es una referencia a la condición anónima de los escritores tradicionales, una característica de la cultura en la que conocemos a todos estos escritores por su estilo, por lo prolíficos que son, por sus hazañas y logros, por todos estos mitos y locas historias que rodean a esta etiqueta específica, cuando en realidad no tenemos ni idea de cómo es esta persona. A veces oímos hablar de algunas características físicas concretas o una vaga idea de su procedencia, pero en última instancia no tenemos ni idea de su raza, género o estatus social, y eso es algo que aprecio mucho en esta cultura. Porque de hecho puede ser cualquiera de este planeta sin que nadie haga aspavientos al respecto.

Además de guantes, boquillas y sprays, también encontramos herramientas de papiroflexia como aviones, barcos o coronas. ¿Por qué? 
Los origamis surgieron por «accidente», fue una especie de epifanía. En el estudio hacía bocetos y tags en trozos de papel sueltos que tenía por ahí. Una vez, porque sí, cogí una hoja A4 cubierta de throw ups y firmas y la doblé en forma de avión de papel. Después de tirarla, aterrizó sobre la mesa y, cuando me senté, la miré y encontré algo interesante. Así que cogí mi cámara, hice unas cuantas fotos y el resto es historia.
Con él viene un significado más profundo sobre la vida y lo que haces con las ideas y metas. A veces agitamos una idea y a primera vista en cuestión de segundos visualizamos todo en nuestra cabeza, desde el principio hasta el éxito. Pero hace falta acción para que las cosas sucedan.

«Nuestro patio de recreo eran las calles y el street bombing era lo nuestro. Aún hoy en día es lo que más me gusta. Sigo prefiriendo el hormigón al acero.»

Los origamis se refieren a tu acción hacia ese primer borrador que escribes en un papel. Puedes arrugarlo y tirarlo a la papelera y tendrás una oportunidad perdida, puedes guardarlo en el cajón y tener una oportunidad olvidada o puedes realmente dar forma a esa idea y hacer que suceda – «darle alas» metafóricamente hablando cuando me refiero al avión de papel.
El concepto del origami me abrió una puerta para explorar una nueva dirección y seguir manteniéndola ligada a mi discurso principal. En principio, sólo pintaba aviones de papel, pero luego surgieron otros elementos. Algunos directamente relacionados con el tema principal de la escritura de graffiti, como la corona, que es un elemento destacado en nuestra cultura que aparece muy a menudo.
Otros, como el barco, que pinté por primera vez en mi ciudad natal, Quarteira (una ciudad profundamente influenciada por el mar y su comunidad de pescadores) surgieron al encontrar un tema específico que quería introducir en mi discurso sin dejar de mantener mi estilo característico.

Los colores amarillo y azul tienen una gran importancia. ¿También tienen significado? 
Como con los conceptos anteriores, los uso a primeras porque me gusta cómo encajan en el trabajo. Durante un tiempo pinté algunas piezas en las que el blanco y el azul oscuro destacaban bastante. Y además de gustarme estéticamente esta combinación de colores también haría referencia a la bandera de mi ciudad natal Quarteira.
El amarillo lo escogí principalmente el año pasado (2022) como fondo de casi todas mis piezas murales. Sin ninguna razón en particular, aparte de que es un color que resalta y hace que las piezas destaquen.

¿Sigues pintando graffiti ilegal? 
No muy a menudo. Pero de vez en cuando los chicos me convencen para que salga. Hoy en día soy la «princesa» del equipo. Me resulta difícil mantenerme despierto e ir a pintar a altas horas de la noche, y estar corriendo de un lado para otro. Supongo que mi cuerpo no está acostumbrado… Ahora mismo si me paso una noche entera sin dormir el día siguiente me siento como si me hubiera bebido una botella entera de whisky yo solo aunque sólo beba agua.
La mayoría de las veces me he apuntado a jams de fin de semana con la crew en un muro legal o en un sitio abandonado, sólo para seguir practicando escribir mi nombre y pasármelo genial con mis hermanos.

¿Cuáles son las peculiaridades del graffiti en el sur de Portugal?
El graffiti llegó a Quarteira por primera vez a finales de los 80, si no me equivoco, por algunos escritores turistas que pasaron por la época. Pero tuvo un impacto mínimo. Sólo a finales de los 90 y principios de los 2000 explotó por aquí. Esto se debe a la lentitud de la información en aquella época, en la que las tecnologías de la comunicación no se parecían en nada a las actuales. En aquella época, la principal vía de comunicación con otras ciudades y países era el correo postal.
Portugal tenía una enorme brecha temporal evolutiva en comparación con Estados Unidos y otros países europeos, y esa brecha era aún mayor en el sur. Esto me permitió formar parte de la segunda generación de escritores del sur. Es algo que considero un enorme privilegio.

«Yo diría que la máscara de la camiseta es mi personaje principal. Representa a todos los escritores de graffiti. Su aspecto fantasmal es una referencia a la condición anónima de los escritores tradicionales…»

En comparación con los escritores de Alemania, Holanda, Francia o España, por ejemplo, en 1999 tuve la oportunidad de formar parte de los inicios de este movimiento con muy poco impacto desde fuera de nuestro propio caparazón y esto es algo muy especial para mí. Fue conocer un mundo completamente nuevo, básicamente desde cero.
Sólo después de un par de años tuvimos acceso a la clásica Montana Hardcore (todavía echo de menos ese olor) que tuvimos que comprar en Faro, una ciudad cercana, en la tienda RAZ0. Solo uno de nosotros tenía carnet de conducir y una scooter. Un chico que firmaba «Ride/Ryde», iba a Faro cada sábado por la mañana para conseguir latas para todos nosotros con alguien montando en el asiento trasero para volver cargados al máximo. Me saltaba el almuerzo en el colegio para ahorrar todo lo posible para las latas de la época.
La principal referencia para nosotros al principio era la revista Subworld, una revista portuguesa de graffiti que sólo vivió 2 ediciones. Era difícil conseguir cosas de fuera.
Una cosa que jugaba a nuestro favor era el hecho de que somos una ciudad turística y muy a menudo nos encontrábamos con escritores de otras ciudades y países y esas visitas siempre impactaban en nuestra percepción de la escena y nos ayudaban a desarrollar la nuestra.
Además, por aquí no hay metro y sólo hay una línea de tren que va y viene entre el oeste y el este. Supongo que por esta razón el bombardeo de trenes tardó un tiempo en convertirse en algo habitual por aquí y ganó más peso en las generaciones posteriores a la mía. Nuestro patio de recreo eran las calles y el street bombing era lo nuestro. Aún hoy en día es lo que más me gusta. Sigo prefiriendo el hormigón al acero.

¿Cuál es la intervención de la que te sientes más orgulloso? ¿Por qué? 
Estoy orgulloso de unos cuantos hitos. Entre mostrar mi trabajo en museos, exponer con grandes galerías y hacer colaboraciones con otros artistas, destacaría la collab con HERAKUT. Más concretamente Akut (de la antigua Maclaim Crew). Conocí su trabajo en 2004. Mis compañeros de crew habían estado en una jam en Sevilla y volvieron con esas fotos de Maclaim y desde ese momento me hice fan de toda la crew, pero muy interesado en el trabajo de Akut. Creo que lo conocí a él y a Hera en persona en 2017 y en 2019 tuve la oportunidad de hacer un muro masivo con ellos en Tegel, Berlín. Fue un momento realmente genial para mí. Estar allí en el ascensor pintando y mirar a mi derecha y ¡ahí está Akut en otro ascensor trabajando en esa misma pieza! No tiene precio.