JAY ONE, UN PIONERO MÁS IMPORTANTE DE LO QUE IMAGINAS

Fotos por Jay One & «Paris Characters», Karim Boukercha 2004.

Hace relativamente poco pudimos encontrarnos- virtualmente- con Bando, uno de los clásicos del graffiti europeo y echar un vistazo a su manera de pensar y transitar el graffiti.
Le hemos cogido el gustillo a visitar a esos escritores que sentaron los cimientos del graffiti en Europa, y que de una u otra manera ayudaron a darle forma a esta cultura. En esta ocasión las palabras que recogemos son de Jay One, uno de los componentes de BBC (Bad Boy Crew).
Jay One, a parte de escritor de graffiti, y artista multidisciplinar, es un experto en música negra post siglo 21, y un gran conocedor de la cultura hip hop. Estuvo involucrado en las revistas Zulu Letters (París) y Backjupms (Berlín) y desde 2010 es el director artístico y colaborador conceptual del magazine de arte contemporáneo Afrikadaa, publicación que destaca el trabajo de artistas africanos.

«(el graffiti)… Representaba un alejamiento irresistible de las normas establecidas del pasado, desmontando el dominio cultural de la burguesía de los años 70 y principios de los 80 con un poco de picante impulso rebelde y a la vez creativo.»

¿Puedes explicarnos en qué contexto empezaste a pintar en París? ¿Cómo se creó una escena de la nada?
Todo empezó a principios de los 80, con la aparición de la cultura hip-hop en París. Antes, París ya contaba con una vibrante escena de arte público. Este movimiento artístico se nutrió de un grupo de creadores que se inspiraron en la incipiente escena del graffiti neoyorquino de los años 70 o en el legado políticamente cargado de las protestas estudiantiles parisinas de 1968. Armados con pinceles o pintura en aerosol, estos artistas adornaban paredes y superficies diversas, utilizando plantillas; muchos de estos murales y «Graffiti» fueron realizados por manos anónimas, salvo algunos actores notables. Las figuras más entregadas fueron Blek le Rat, Miss Tic, Paella, Costa, «Les Musulmans Fumants» y Jerome Ménagers y dejaron su huellas indeleble en el paisaje urbano.
Este dinámico medio artístico cautivó mi fascinación inicial por el arte callejero. Curiosamente, el movimiento «Figuration Libre», el término que engloba todo esto, puede traducirse por «Estilo Libre» en inglés.

Skki y yo nos cruzamos durante el apogeo de este movimiento, embarcándonos en nuestro viaje artístico con pequeñas plantillas, preludio de nuestra eventual transición al Graffiti, influenciado por la cultura Hip Hop. Alrededor de 1981-1982, cuando empezó a emerger, el magnetismo y el encanto de este movimiento nos cautivó con su rico paisaje cultural, entretejido con música, bailes y energía desbordante, que resonaba perfectamente con el espíritu de nuestra generación. Representaba un alejamiento irresistible de las normas establecidas del pasado, desmontando el dominio cultural de la burguesía de los años 70 y principios de los 80 con un poco de picante impulso rebelde y a la vez creativo.

¿Cómo se formó el grupo BBC y quiénes son sus miembros?
Skki, Cash (cuya carrera duró poco) y yo habíamos formado el grupo, por capricho, una tarde en la sala de recreo de nuestra universidad. La idea era emular lo que se hacía habitualmente en Nueva York con sus bandas y crews. Pero también porque, en aquella época, hacía falta un esfuerzo de grupo para realizar un mural. De eso nos dimos cuentas fijarnos en los complejos murales producidos por algunos de los colectivos que pintaban en el estilo «Figuración Libre». El esfuerzo grupal era clave en aquella época.

¿Cómo resumirías la evolución del graffiti parisino a partir de entonces?
En nuestro pequeño círculo, a excepción de Lokiss y Scipion, los demás adoptamos y abrazamos la cruda vitalidad del New York Graffiti Style. Esta lealtad estilística sirvió de canal vanguardista para la autoexpresión. En el ámbito de esta nueva expresión visual -que recordaba al cubismo, el futurismo y el constructivismo cuando rompieron con las convenciones estéticas de su época-, muchos artistas estaban convencidos de que era el camino a seguir; era una forma de estar en sintonía con tu tiempo y también de vivir ese encanto rebelde, que se apartaba de lo esperado. Estéticamente, para mí, se convirtió en la quintaesencia de la búsqueda, encapsulando un espíritu rebelde dentro de un marco visualmente convincente.

Sabemos que tuviste una conexión directa con escritores madrileños como Zeta y Chop en los ochenta, pero tu influencia fue más importante en Barcelona. ¿Eres consciente de ello? ¿Por qué crees que fue así?
Eso es nuevo para mí; no he viajado mucho a España y he pasado poco tiempo allí. Conocí la escena del writing en España a través de Enrique Santana, conocido como «Echo», un artista franco-venezolano de París. Quizás, a través de la revista «Backjumps», tuve alguna influencia. Sin embargo, mi influencia percibida fue más notoria en Berlín.

«… mis influencias se extienden a escritores menos conocidos de NYC, como Flyte TDS, Poke IBM, Gnome CWK, etc. – Influencias que podrían pasar desapercibidas para la mayoría de los observadores.»

Tenemos entendido que compartisteis estudio durante un tiempo con Aone y JonOne, ¿puedes contarnos algo relevante sobre ese periodo?
Teníamos esa conexión neoyorquina en París, y artistas como Anthony «A-One» Clark, Torrick «Toxic» Ablack, Aaron «Sharp» Goodstone o Jonone Perello desempeñaron un papel crucial en la configuración de nuestra forma de entender el arte. Fueron figuras fundamentales, ya que vivieron la época en que el graffiti encontró su lugar en las galerías neoyorquinas. Además, navegaron por el ámbito del arte mainstream, distinguiéndose de los escritores de la misma época. Recordemos que, al carecer de formación académica, teníamos que aprender sobre la marcha. Contar con estos artistas fue de un valor incalculable, incluso cuando nos esforzábamos por forjar y preservar una identidad y personalidad distintivas en nuestro trabajo.
Volviendo a la pregunta anterior, esta asociación nos dio una ventaja en comparación con otros escritores, influyendo en nuestro trabajo en otros ámbitos. Por ejemplo, nuestra inclinación por el estilo libre o por desviarnos de las letras convencionales en nuestros cuadros surgió del deseo de afirmar nuestra individualidad, expresando nuestras experiencias culturales y sociales europeas (caribeñas en mi caso) únicas en el ámbito de esta forma de arte.

Algunas de tus piezas, como Mode2, toman elementos del graffiti de T-Kid. ¿Estás de acuerdo?
Ya en 1985 me cautivaron las intrincadas composiciones de Julius «T-Kid» Caverro, un maestro del writing muy parecido a Dondi White. T-Kid elevó el arte de crear letras a su cenit. Posteriormente, lo que siguió fueron meras variaciones y una asimilación un tanto ilusoria de otras culturas del writing, como las tradiciones caligráfica y tipográfica e incluso el reino computacional de las fuentes; es mi opinión.
Nuestro encuentro inicial tuvo lugar en 1987 en Bridlington, Inglaterra. Sin embargo, no fue hasta el verano siguiente, durante mi viaje a Nueva York, cuando realmente abracé y «absorbí» ese estilo particular mientras me alojaba en casa del amigo y compañero de crew de T.Kid, Rac7 Roman Ricardo.
Pero en realidad, mis influencias se extienden a escritores menos conocidos de NYC, como Flyte TDS, Poke IBM, Gnome CWK, etc. – Influencias que podrían pasar desapercibidas para la mayoría de los observadores.

Fuiste el creador de un logotipo de Montana que ahora pertenece a Montana Cans. ¿Recuerdas cuándo lo hiciste y en qué situación?
Fue una situación extraña.
«En los años 90,¿ en torno al 96???
Yo estaba en Alemania y hacía la revista Backjumps. La parte alemana del negocio me pidió que creara un logotipo para Montana, la Joint Venture.
Luego, unos años más tarde, se separaron; yo había conocido a Jordi Rubio entonces (no estoy muy seguro). De todos modos, me pareció justo dárselo a los alemanes, ya que fueron ellos los que acudieron a mí… Y no fue una decisión difícil. Por otro lado, no me gustó que mantuvieran el nombre de Montana (Básicamente, el nombre significa montaña donde se encontraba la fábrica original. En aquel momento pensé que no era una buena decisión. No soy tan estricto en cuanto a los procedimientos, y no me gustan las leyes de derechos de autor, pero era lo que había».

«El mundo del arte no puede aceptar el hecho de que unos cabezas huecas de algún ghetto americano puedan crear y desarrollar una forma de arte que tenga algún valor estético, o conceptual…»

¿Cómo explicas el componente artístico del graffiti?
El graffiti es distinto de la caligrafía o la tipografía, aunque algunos lo enfoquen desde esas perspectivas. Aunque hay un elemento de diseño gráfico muy interesante, yo veo el graffiti como una forma compleja de expresión artística. Lo sitúo firmemente junto a otros movimientos pictóricos significativos, tomando prestados ciertos principios de la pintura más académica. En su núcleo se encuentra un movimiento que ha estado presente desde sus inicios; el acto de escribir en paredes, piedras u otras superficies es tan antiguo como la humanidad. Sin embargo, el graffiti trasciende esta práctica histórica en su forma más sofisticada. Es realmente una práctica pictórica, excepto que su pecado es ser practicada por niños, en realidad, adolescentes sin formación académica- El mundo del arte no puede aceptar el hecho de que unos cabezas huecas de algún ghetto americano puedan crear y desarrollar una forma de arte que tenga algún valor estético, o conceptual… Miles Davis formó su primera banda con sólo 13 años, John Coltrane con 16, Prince tenía 17 cuando grabó su primer Álbum, y Pelé tenía 16 y pico cuando ganó su 1ª Copa del Mundo.
En su lugar, elevan a los artistas que están fuertemente inspirados por la cultura. Si nos fijamos en algunos artistas consagrados hoy en día, podemos ver esa influencia… Basta con mirar a Katharina Grosse o Sterling Ruby… Aunque no estuvieran directamente influidos por los «artistas del spray» o la «escritura», rara vez, o si acaso nunca, se ve su nombre y la palabra graffiti en la misma frase
Hoy en día, tras pasar por el filtro del comercialismo y la publicidad, del graffiti ha surgido una iconografía particular, afín a la estética del Pop Art o el cubismo. En cierto sentido, es un acto poco ortodoxo: destruir las normas preexistentes para recrear el ‘arte de escribir’.

¿Cómo se convierte un escritor en un artista profesional?
Practicando -en el sentido de formación- y luego accediendo al mercado profesional. No importa la práctica, el nivel de éxito… El graffiti es sólo una expresión; hay otras.

¿Qué papel desempeña el graffiti en tu modo de vida actual?
¿Poco?