La Galería Speerstra, activa desde 1984, es la piedra Rosetta de las galerías de arte que apostaron por el graffiti fuera de su entorno natural desde casi sus inicios. Gracias a ello, se estableció un puente entre los artistas estadounidense y el viejo continente. Esto no es una metáfora. Speerstra fue quien trajo a Rammellzze a Mónaco, rodeado de piezas de Crash, Daze, Futura 2000 y Zephyr entre otros.
Hemos aprovechado que cumplen 40 años para felicitarles y compartir con vosotros su historia a través de esta entrevista con Willem Speerstra.
La galería lleva activa desde 1984. ¿Puedes resumir la historia de este proyecto desde sus inicios en Mónaco?
Mi padre comenzó a coleccionar arte a una edad muy temprana. Incluso antes del graffiti, ya sentía predilección por las producciones coloridas con una energía desestabilizadora. Cuando vivíamos en Ámsterdam en 1980, jugó un papel importante en la introducción de artistas estadounidenses en Europa y en el reconocimiento del movimiento. La galería Speerstra abrió sus puertas en Mónaco en abril de 1984. Yo solo tenía 12 años en ese momento, y fueron mis padres quienes invitaron a Rammellzee para realizar una performance musical en medio de obras de Crash, Bill Blast, Daze, Quik, Futura 2000, Seen, Noc 167, Zephyr, y fotografías de Henry Chalfant y Martha Cooper.
En 1990, la galería se trasladó a París, antes de abrir un segundo espacio en Suiza en 2007. Esta expansión amplió el alcance de las exposiciones y fortaleció el movimiento del graffiti. La galería expone a artistas de diferentes generaciones, desde pioneros del graffiti hasta nuevos talentos, así como fotógrafos y artistas contemporáneos.
«Desde muy pronto, mi padre intuyó el valor histórico del movimiento del graffiti y estuvo entre los primeros compradores. Si bien se interesaba por otras corrientes artísticas, quedó cautivado de inmediato por la energía y el talento de los artistas de graffiti, convencido de que este movimiento marcaría la historia del arte.»
Sabemos que Speerstra cuenta con una interesante colección que incluye obras de pioneros del graffiti neoyorquino.
La obra más antigua de nuestra colección, que data de 1974, pertenece a Snake1. Desde muy pronto, mi padre intuyó el valor histórico del movimiento del graffiti y estuvo entre los primeros compradores. Si bien se interesaba por otras corrientes artísticas, quedó cautivado de inmediato por la energía y el talento de los artistas de graffiti, convencido de que este movimiento marcaría la historia del arte. Durante sus visitas a los estudios de los artistas en Nueva York, les solicitaba que crearan obras sobre lienzo, que luego traía a Amsterdam. De esta manera, apoyaba a los artistas en su transición a una práctica de estudio.
A lo largo de los años, mi padre y yo hemos seguido adquiriendo obras clave del post-graffiti, contribuyendo al reconocimiento histórico, estético y comercial del movimiento. Somos verdaderos entusiastas. Nuestra colección incluye muchas obras icónicas de los años 80, así como piezas desde los 90 hasta la actualidad. Muchas de nuestras obras de la vieja escuela están cedidas en préstamo a exposiciones de museos dedicadas al graffiti. También damos cabida a otros movimientos artísticos, como la Figuración Libre y los Neue Wilden.
En 2023, para la exposición «Basquiat × Warhol, a cuatro manos», prestamos a la Fondation Louis Vuitton la primerísima obra pintada a seis manos por A One, Crash y Daze. Esta obra fue creada en vivo frente a la entrada de Art Basel en Suiza en 1984.
En cuanto a los orígenes del graffiti en la Gran Manzana, ¿cuáles son las obras más interesantes? ¿Puedes contarnos alguna anécdota sobre estas obras o sus creadores?
Para mí, hay más que dos o tres trabajos notables; hay docenas. Estas obras post-graffiti son testimonio de la transición de la calle y el metro al estudio, donde los artistas tienen tiempo para trabajar y experimentar con diversos medios, sin la presión de huir de la brigada anti-graffiti o la policía. La inmediatez obviamente no es la misma, pero lo que cuenta es el resultado final.
Una obra en particular, del artista neoyorquino Bill Blast, me fascinó el día que mi padre la colgó en nuestra sala de estar en 1984. Fue una bofetada visual de la que nunca me he recuperado. En 1991, se prestó a la exposición «Graffiti Art» en el Musée national des Monuments français de París. Para mi horror, durante la inauguración, un desconocido apuñaló una de las esquinas de la obra. Nunca se le acusó, pero el incidente permanece grabado en mi memoria. ¡Nunca he entendido del todo la motivación para atacar una obra de arte!
«Sky’s the Limit» de Bill Blast es una obra icónica del movimiento hip-hop de los 80, fascinante por su profundidad y composición. Antes de convertirse en una pintura sobre lienzo, esta obra era un mural gigantesco y mítico ubicado en la intersección de la calle 99 y la avenida Amsterdam en Nueva York, un lugar de encuentro para la juventud hip de la época, donde se realizaban batallas de breakdance y partidos de baloncesto.
Bill Blast, visitante habitual, eligió la pared más grande del parque para pintar «Sky’s the Limit». Inspirado por el entorno y sus símbolos, ilustró elementos icónicos de Nueva York como el World Trade Center y la Estatua de la Libertad. La composición de la obra está cuidadosamente pensada: a la izquierda, el mundo del poder y el éxito; a la derecha, el mundo de la noche y la celebración. Un camino central, con huellas descalzas, simboliza las elecciones de vida y las decisiones que influyen en el futuro, guiadas por la música que emana de un radiocasete sintonizado en «W.bil» Fm, tocando «Keep on» de D Train.
Toda la obra está bañada por la luz de una farola, y al atardecer ocurre la magia cuando las llamas de la Estatua de la Libertad se mezclan con la música, dando origen al título «Sky’s the Limit» (El cielo es el límite). Este mensaje nos invita a mantener un espíritu libre y creer en nuestros sueños, simbolizados por el puente de Bronx al fondo, que abre la perspectiva a un futuro mejor.
A pesar de la fama y el respeto del mural, pronto fue vandalizado. Bill Blast aceptó el desafío de reproducirlo en lienzo en 1983. Hoy, aunque el mural original ha desaparecido, la versión en lienzo sigue transmitiendo este poderoso mensaje: no hay límites para nuestros sueños.
«…(con nuestros artistas) Compartimos mucho más que una relación profesional; compartimos los momentos alegres y, a veces, tristes que marcan nuestras vidas. La pasión es una fuerza que nos permite superar todas las pruebas.»
40 años es mucho tiempo. ¿Cuáles son los principales obstáculos a los que te has enfrentado a lo largo de la historia de Speerstra?
Han sido muchas las dificultades encontradas, pero éstas nos han permitido reorientarnos, buscar nuevas ideas y estrategias para seguir defendiendo el trabajo de nuestros artistas. Algunos de ellos trabajan con nosotros desde hace más de 30 años, y es fundamental mantener este vínculo, nutriendo sus carreras. Compartimos mucho más que una relación profesional; compartimos los momentos alegres y, a veces, tristes que marcan nuestras vidas. La pasión es una fuerza que nos permite superar todas las pruebas.
Nuestras dos galerías están organizadas de tal manera que podemos adaptarnos a un entorno económico en constante cambio. Estamos orgullosos de haber logrado mantener una producción artística que sigue resonando tanto en el público como en los coleccionistas. Hoy en día, podemos llegar a un público internacional vasto, al mismo tiempo que contribuimos al reconocimiento del movimiento artístico en las instituciones.
«En los años 80, el post-graffiti era considerado un mercado minoritario, incluso despreciado por los coleccionistas de arte contemporáneo. Sin embargo, desde la década del 2000, la visibilidad de los artistas a través de internet, los medios de comunicación y los muros de las grandes ciudades ha cambiado considerablemente la situación.»
¿Cómo ha sido la evolución de la conciencia del circuito artístico sobre el arte urbano y el graffiti durante estos años?
En los años 80, el post-graffiti era considerado un mercado minoritario, incluso despreciado por los coleccionistas de arte contemporáneo. Sin embargo, desde la década del 2000, la visibilidad de los artistas a través de internet, los medios de comunicación y los muros de las grandes ciudades ha cambiado considerablemente la situación.
Figuras emblemáticas como Invader, Banksy, Obey y Futura 2000 han surgido, no solo por sus obras artísticas, sino también por sus colaboraciones en branding e incluso en la moda. Numerosas galerías se interesaron vivamente por este movimiento emergente, contribuyendo a elevar su perfil y creando un mercado en rápida expansión. Las casas de subastas de renombre también participaron en el movimiento, desempeñando un papel crucial en su desarrollo. Los precios récord alcanzados en un período muy corto de tiempo alimentaron aún más el interés del público.
Cabe destacar que, aunque el público general suele referirse al «arte callejero», prefiero utilizar el término «arte urbano», ya que creo que abarca una variedad de prácticas como el vandalismo con graffiti, el graffiti legal, el collage, las plantillas y otras formas de arte vinculadas al entorno urbano.
«Solo aquellos artistas que se han mantenido fieles a su visión y valores pueden asegurar el futuro del movimiento. La competencia ha disminuido, pero también ha aumentado en términos de calidad.»
¿Qué puntos consideras esenciales para evaluar este desarrollo?
El movimiento se diversificó en muchas direcciones. A veces, las iniciativas torpes pueden haber decepcionado a artistas o nuevos coleccionistas. Hoy, el mercado se ha reenfocado y el público se ha vuelto más selectivo. Solo aquellos artistas que se han mantenido fieles a su visión y valores pueden asegurar el futuro del movimiento. La competencia ha disminuido, pero también ha aumentado en términos de calidad.
Nuevos actores, como los marketplaces, ahora ofrecen ventas de arte online con excelentes servicios, particularmente en cuanto a facilidad de pago y transporte. Esto abre un mercado casi ilimitado y sin fronteras. El público se está volviendo cada vez más curioso y conocedor, y es un verdadero desafío lograr sorprender e innovar.
¿Ha habido también un cambio por parte de los propios artistas? ¿Cuál sería el cambio más importante?
En 1973/74, las primeras exposiciones de obras sobre lienzo de artistas como Coco144, Snake1, Phase2, Lee 163, Stitch 1, Blade y muchos otros, fueron eventos marginales. El objetivo era simplemente compartir con su comunidad y pasar un buen rato.
Con la llegada de las generaciones posteriores, representadas por artistas como Crash, Futura 2000, Dondi White, Daze, MinOne y otros, el público en general comenzó a presenciar obras grandes, coloridas y llenas de personajes adornando los laterales de los trenes subterráneos. Fue esta explosión artística la que llevó a Martha Cooper y Henry Chalfant a inmortalizar lo que se conoció como la «Edad de Oro del Graffiti», ayudando a difundir el movimiento por todo el mundo. En 1983, nació el término «post-graffiti», popularizado por el galerista y coleccionista neoyorquino Sydney Janis.
Aparte de su larga trayectoria, ¿cuáles son los elementos clave que diferencian a Speerstra del resto de galerías centradas en el arte urbano y el graffiti?
Nuestras galerías no se distinguen realmente de las demás en términos de estrategia. Sin embargo, lo que sí es cierto es que aportamos ese toque distintivo Speerstra. Mantenemos relaciones duraderas con la mayoría de nuestros artistas, lo que significa que contamos con su confianza. Esto nos facilita pedirles que creen series especiales de obras que otras galerías quizás nunca hubieran considerado exponer.
¡Es lamentable que muchas galerías se centren principalmente en las ganancias, a veces en detrimento de la calidad de las obras expuestas, y sin ninguna consideración real por los artistas y sus carreras!
Como sabrás, Montana Colors tiene su propia galería de arte, con características distintivas en comparación con otras galerías. ¿Qué te parece interesante de la galería Montana?
Sigo a la Montana Gallery Barcelona desde sus inicios y en 2013 descubrí a Alex Kuznetsov a través de su exposición «Abstract Spraypainting». Tras conversaciones con Montana Gallery y el artista, organizamos una exposición. He estado trabajando con el artista Alex Kuznetsov durante más de 10 años.
Vosotros estáis muy cerca de artistas con gran talento y sabéis mantener un vínculo esencial para el correcto desarrollo de las carreras.
De las tres últimas exposiciones en Speerstra, ¿qué aspectos interesantes destacarías de cada trabajo?
- Exposición Stanislas «FUZI» Baritaux, «Pasiones Tristes», Mayo 2024
La exposición «Pasiones Tristes» marca una madurez significativa en el trabajo de Fuzi sobre lienzo, afirmando su búsqueda de equilibrio entre la constante influencia del vandalismo del graffiti, que lo construyó artísticamente, y los múltiples medios de expresión que ha desarrollado desde entonces. Fue la influencia de sus numerosos viajes a la Ciudad de México la génesis de las obras presentadas en esta exposición; una amplia gama de facetas de la cultura mexicana se infiltró así en su creatividad. Le fascinó la urbanización descontrolada que se ha impuesto a la naturaleza. Es esta poderosa dualidad la que se hace eco de sus propios sentimientos internos. Hace más de diez años, Fuzi abandonó Francia para cuestionar las verdades que había construido. Estas exploraciones lo llevaron a un verdadero despertar. Sus percepciones del mundo y las batallas que libró contra «los otros» no eran más que sueños imposibles.
- Exposición John «JONONE» Perello, «Beats and Rhymes», Octubre 2023 – Galería Speerstra París.
«Beats and Rhymes» nos sumerge en el corazón de la fuerza bruta y el dinamismo creativo de JonOne. Volvemos a sus fuentes de inspiración, a los días en que el metro de Nueva York era el lienzo de sus creaciones. Como si se hubieran extraído secciones de un vagón, las obras presentadas están realizadas en aluminio, acabadas con un barniz para coches, y se despliegan como fragmentos cautivadores, inmortalizando un momento crucial en su obra. La abundancia de energía, el caleidoscopio de colores y el desafío a las normas establecidas reflejan la audacia y la insubordinación inherentes al movimiento del graffiti de los años 80. «Beats and Rhymes» cuenta una historia de determinación y perseverancia, una narrativa que da fe de los desafíos que tuvo que superar. Cada pincelada marca su trayectoria artística, dando testimonio de su incansable búsqueda de una expresión de estilo libre.
- Exposición «CRAPULE CLUB», Noviembre 2022 – Galería Speerstra París.
Entre las sombras de la ciudad, en ingravidez entre los tejados y el asfalto: una docena de fotógrafos se unen bajo la bandera del Crapule Club. La exposición pone de relieve los murmullos visuales de una juventud desinhibida e insolente. Dibuja poco a poco los deseos de un mundo mejor. Espectadores del mundo libre, los artistas exhiben archivos tomados in situ, de una parte alternativa de la ciudad. A través de los remolinos de latas de sprays e innumerables carretes quemados, Crapule 2000 reúne a jóvenes talentos de la cultura analógica. Electrones libres con sueños ardientes y optimistas que captan las múltiples caras de las paradojas de la sociedad.
¿Hay planes para celebrar el 40 aniversario de Speerstra?
Recientemente organizamos una fiesta maravillosa en una barcaza en París con nuestros artistas y coleccionistas.
Fotos cortesía de: Photocompulsif , Speerstra Gallery & Speerstra Collection .
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